Florence Price, Adoración de
Desde el descubrimiento de un importante conjunto de sus obras en 2009, Florence Price (1887-1953) ha sido objeto de un importante renacimiento y revalorización en las salas de conciertos de todo el mundo. Aunque gran parte del interés se ha centrado en sus tres sinfonías conservadas y varios conciertos, su exquisito sentido del arte también impregna obras de menor envergadura, como Adoration, compuesta originalmente para órgano.
La habilidad de Price como teclista se remonta a su infancia en Little Rock, Arkansas, donde estudió piano con su madre, y a Boston, donde se licenció en piano y órgano en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra. Tras emigrar a Chicago para escapar del racismo en 1927, entabló vínculos con la intelectualidad negra y, en 1932, ganó el primer premio en el Concurso Rodman Wanamaker para compositores negros. Al año siguiente, la Orquesta Sinfónica de Chicago interpretó su Sinfonía n.º 1 en mi menor, la primera vez que una gran orquesta estadounidense interpretaba una obra de una mujer afroamericana. No obstante, Price sufrió discriminación y tuvo que ganarse la vida componiendo sintonías para la radio y tocando el órgano en proyecciones de películas mudas.
Un beneficio adicional de estos proyectos fue la comprensión de las formas en miniatura. La obra Adoration, de cuatro minutos de duración, se publicó en 1951 en The Organ Portfolio, una revista para organistas de la Lorenz Corporation. Aunque probablemente se concibió como preludio para un servicio religioso, su melodía fluida y su tempo procesional la hicieron igual de eficaz en arreglos orquestales. Recientemente, la partitura se ha publicado en versiones póstumas para violín (o viola) y piano, para quinteto de viento y para orquesta de cuerda con solista.
Gabriela Lena Frank, Kachkaniraqmi («Sigo existiendo»), estreno mundial
Casi todas las introducciones a la música de Gabriela Lena Frank comienzan con una descripción de su herencia multiétnica, no porque sea algo tan inusual en 2024, sino porque se refleja en gran parte de su música. Frank nació en 1972 y se crió en Berkeley, California, hija de madre de ascendencia peruana y china y padre de origen judío lituano. Sus padres se conocieron cuando su padre estaba en Perú como voluntario del Cuerpo de Paz.
Tras estudiar composición en la Universidad Rice y obtener su doctorado en la Universidad de Michigan, le llovieron los encargos: las obras de Frank han sido interpretadas por una gran variedad de conjuntos, entre ellos las principales orquestas de Boston, Cleveland, Detroit, Houston, San Francisco y Filadelfia; la Orquesta de Filadelfia la acoge como compositora residente. Su primera ópera, El último sueño de Frida y Diego, fue presentada en 2022 por la Ópera de San Diego.
Gracias a sus numerosos viajes, el interés de Gabriela Lena Frank por el arte y el folclore latinoamericanos ha dado forma a las numerosas historias y personajes de su música. En su primera obra, Leyendas: An Andean Walkabout (2001), un cuarteto de cuerda evoca conjuntos de flautas de pan y grupos vocales masculinos conocidos como romanceros. Frank ha explorado la presencia asiática en Sudamérica con obras como Ritmos Anchinos, escrita para el Silk Road Ensemble y en la que destaca una pipa china que imita al charango, una mandolina peruana. Más recientemente, su Haillí-Serenata, escrita en 2020 para la Orquesta Sinfónica de Chicago, es un homenaje a los cantadores mestizos que residen en la ciudad peruana de Cajamarca, situada en el altiplano.
En 2017, Frank fundó la Academia Creativa de Música Gabriela Lena Frank, una innovadora institución educativa situada en Boonville, California, que fomenta la diversidad en la composición musical. Frank, una escritora consumada, ha escrito sobre su pérdida auditiva como columnista invitada del New York Times. A continuación, ofrece la siguiente nota sobre su nueva obra, Kachkanaraqmi.
«He pasado mi vida como compositor fascinado por mi herencia cultural y su recepción en el mundo en general. A mis hermanos menores que se están iniciando en la industria musical les digo que, a medida que el panorama a su alrededor cambia, tanto política como demográficamente, y los considera más o menos aceptables a lo largo de los años, su propio viaje debe continuar sin verse afectado, en el peor de los casos, por la violencia de los miedos y, en el mejor, por la rareza de las modas.
«Kachkanaraqmi», o «yo sigo existiendo» en la lengua indígena quechua de mis antepasados peruanos, habla de la resistencia, incluso de la insistencia, de un alma racial a lo largo de las generaciones. En esta obra de cuatro movimientos, un breve preludio pastoral andino, un soliloquio melancólico de montaña, un torbellino de vientos ladrones y un lúgubre velatorio infantil utilizan las posibilidades sonoras de un oncerto grosso para cuarteto de cuerda y orquesta de cuerda, celebrando de diversas maneras al cuarteto como conjunto propio, como solistas y como líderes de sección dentro de la orquesta. A lo largo de toda la obra proliferan las reinterpretaciones de antiguos motivos y ritmos indígenas».
Joan Tower, Concierto para orquesta
El Concierto para orquesta de Joan Tower hace honor a su título al dar protagonismo a varios instrumentos en solos, dúos y otras pequeñas combinaciones, y enfrentarlos a toda la orquesta. La pieza siguió a un intenso periodo de experimentación orquestal de la compositora estadounidense, que comenzó con su imponente Sequoia (1981) y continuó con la musculosaSilver Ladders (1986) y la Fanfare for the Uncommon Woman No. 1, una versión feminista del clásico de Copland que se ha interpretado cientos de veces desde su estreno en 1986.
Por supuesto, Tower no se detuvo ahí. Su obra Made in America, de 2004, una conmovedora versión de «America the Beautiful», fue interpretada por más de 65 orquestas en los 50 estados. Y en 2020, Tower compuso 1920/2019 para la iniciativa Project 19 de la Filarmónica de Nueva York, en la que se encargó a 19 compositoras que rindieran homenaje al centenario de la 19.ª Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos.
Teniendo esto en cuenta, el Concierto para orquesta marca un punto de inflexión en su carrera, encargado conjuntamente en 1991 por la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de San Luis y la Sinfónica de Chicago. Tower lo describió como su obra más importante hasta la fecha, y en él se aprecian ecos de los conciertos para orquesta de Béla Bartók y Witold Lutoslawski.
Tower también dijo que la pieza es un estudio sobre la evolución musical, que explora cómo se desarrollan los temas «de la forma más fuerte y natural posible, una lección que he aprendido al estudiar la música de Beethoven. Aunque técnicamente exigentes, las secciones virtuosas son una parte integral de la música, resultado de la energía acumulada, en lugar de estar diseñadas únicamente como elementos de exhibición». La primera sección crece en bloques de sonido en constante cambio, desde los tonos profundos de los violonchelos hasta el diálogo nítido y animado de las trompetas emparejadas. La segunda parte comienza lentamente, anunciada por solos de violín, corno inglés y tuba, antes de que la música alcance un clímax brillante lleno de metales y percusión rápidos, y continúe hasta un final emocionante.
— Brian Wise
